Reconnaissons tout d’abord les qualités de la musique organique de Shore, la photo sâle, prisant les premiers plans et la réalisation emphatique. Ensuite il faut accepter d’être caressé à rebrousse-poil et de voir ce film plutôt 2 fois qu’une. Pourquoi ? Parce qu’au-delà des thèmes évidents (passons les allusions à la bio-éthique, aux nouveaux organismes et au réchauffement du climat) -ces jeux du futur où la technologie se fond à la biologie (gamepod animal, énergie humaine) de façon sexuelle et organique afin de créer l’osmose nécessaire au virtuel parfait, à une perte des repères totale dans la notion de « réel »-, au-delà de l’étude précise des mécanisme de jeu (les clés qui permettent d’accéder au niveau supérieur) il y a bel et bien un deuxième thème que l’on trouvera camouflé derrière ce que l’on pourrait croire être les défauts du film. Il semble y avoir peu d’émotion dans les dialogues ? Premièrement Cronenberg n’est pas le cinéaste de l’émotion mais de la chair, ensuite le film calque l’atmosphère des jeux (il en est un…) enclin à la froideur et à la gratuité (meurtres, implication seulement physique du joueur). Il n’y a rien qui ressemble à un jeu contemporain, rien d’accessible, de commercialisable, de beau, d’excitant ? Et le second thème est là : Cronenberg est tout à fait conscient de celà, de ces « défauts » anti-commerciaux (pour preuve la réplique de la minute 54) car la véritable question qui ressort du film est : le but de l’art est-il vraiment d’être aimé ? Non, répond clairement l’auteur car l’artiste se doit d'être égoïste et personnel pour rester authentique, il travaille d’abord pour lui ; il ne manufacture pas ces idées pour le public, c’est le public qui vient y puiser ou pas. Un pied-de-nez à Hollywood qui n’a qu’un seul défaut : son manque de subtilité dans la mise en forme du scénario.